Algunas conclusiones:

- Fue seleccionada como nº 1 CIUDADANO KANE (1941)

- La película más antigua: EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN (1915) #44

- La más moderna: FARGO (1996) # 84

- El actor director con más películas fue CHARLES CHAPLIN con 3: LA QUIMERA DEL ORO (1925) #74, LUCES DE CIUDAD (1931) #76 y TIEMPOS MODERNOS (1936) #81

- En cuanto a directores, 5 películas de STEVEN SPIELBERG estuvieron en la lista: LA LISTA DE SCHINDLER (1993) #9, ET (1982) #25, TIBURÓN (1975) #48, EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA (1981) #60 y ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (1977) #64
Con 4 películas están: ALFRED HITCHCOCK y BILLY WILDER.
10 directores obtuvieron 3 películas entre las mejores, como Frank Capra, Francis Ford Coppola, Stanley Kubrick, John Huston, William Wyler, John Ford, y Charlie Chaplin.

- MARLON BRANDO es el único actor con 2 películas entre las 10 mejores: EL PADRINO (1972) #3 y LA LEY DEL SILENCIO (1954) #8

- Los actores protagonistas con más películas son ROBERT DE NIRO y JAMES STEWART, con 5.

- Destacar en este aspecto a JAMES DEAN, con 2 películas entre las 100 mejores, habiendo hecho tan sólo 3.

- Es WARD BOND el que aparece en más películas, un total de 7: SUCEDIÓ UNA NOCHE (1934), LA FIERA DE MI NIÑA (1938), LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939), LAS UVAS DE LA IRA (1940), EL HALCÓN MALTÉS (1941), QUÉ BELLO ES VIVIR (1946) y CENTAUROS DEL DESIERTO (1956).
ROBERT DUVALL aparece en 6.

- La actriz protagonista que más aparece es KATHARINE HEPBURN, en 4: LA REINA DE ÁFRICA (1951), HISTORIAS DE PHILADELPHIA (1940), LA FIERA DE MI NIÑA (1938) y ADIVINA QUIEN VIENE A CENAR ESTA NOCHE (1967).
Con 3 están NATALIE WOOD, DIANE KEATON y FAYE DUNAWAY.

- De las 100 películas, la mayoría pueden calificarse como dramas. 11 son comedias, 9 bélicas, 8 musicales, 8 westerns, 4 de ciencia-ficción, 4 de terror y 2 de animación.
Solamente 4 de ellas son de cine mudo.

- Entre las 10 mejores hay películas de todas las décadas entre los 30′s y los 90′s con excepción de la década de los 80, cuya mejor película es TORO SALVAJE (1980) en el puesto #24

- La década de los 50′s es la más representada con 20 películas.
70 de las películas son del año 1950 y posteriores.
14 fueron realizadas posteriormente a 1980
Los años que van entre 1950 y 1979 comprenden la mayoría de las películas (56)
Por décadas este es el reparto: Época muda: 3 películas, 1930′s: 15 películas, 1940′s: 12 películas, 1950′s: 20 películas, 1960′s: 18 películas, 1970′s: 18 películas, 1980′s: 6 películas, and 1990′s: 8 películas

- El año con más películas es 1939 con 5: LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1934) #4, EL MAGO DE OZ (1939) #6, CABALLERO SIN ESPADA (1939) #29, LA DILIGENCIA (1939) #63 y CUMBRES BORRASCOSAS (1939) #73
Los años 1951 y 1969 tiene 4 películas cada uno.

- La única secuela que aparece en la lista es EL PADRINO PARTE II (1974) #32 aunque EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (1991) #65 podría considerarse como secuela de HUNTER (1986)

- 33 de las películas ganaron el Oscar de la Academia como Mejor Película y 75 fueron nominadas en esa categoría.
De las 10 mejores, 6 fueron Mejor Película en los Oscar: Casablanca (1942) #2, El Padrino (1972) #3, LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (1939) #4, LAWRENCE DE ARABIA (1962) #5, LA LEY DEL SILENCIO (1954) #8 y LA LISTA DE SCHINDLER (1993) #9
- El film más alto en el ranking que no ganó ningún Oscar es CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952) en el puesto #10.

Y esta es la lista completa:

1. CIUDADANO KANE – CITIZEN KANE (1941)
2. CASABLANCA (1942)
3. EL PADRINO – THE GODFATHER (1972)
4. LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ – GONE WITH THE WIND (1939)
5. LAWRENCE DE ARABIA – LAWRENCE OF ARABIA (1962)
6. EL MAGO DE OZ – THE WIZARD OF OZ (1939)
7. EL GRADUADO – THE GRADUATE (1967)
8. LA LEY DEL SILENCIO – ON THE WATERFRONT (1954)
9. LA LISTA DE SCHINDLER – SCHINDLER’S LIST (1993)
10. CANTANDO BAJO LA LLUVIA – SINGIN’ IN THE RAIN (1952)
11. ¡QUÉ BELLO ES VIVIR! – IT’S A WONDERFUL LIFE (1946)
12. EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES – SUNSET BOULEVARD (1950)
13. EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI – THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI (1957)
14. CON FALDAS Y A LO LOCO – SOME LIKE IT HOT (1959)
15. LA GUERRA DE LAS GALAXIAS – STAR WARS (1977)
16. EVA AL DESNUDO – ALL ABOUT EVE (1950)
17. LA REINA DE ÁFRICA – THE AFRICAN QUEEN (1951)
18. PSICOSIS – PSYCHO (1960)
19. CHINATOWN (1974)
20. ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO – ONE FLEW OVER THE CUCKOO’S NEST (1975)
21. LA UVAS DE LA IRA – THE GRAPES OF WRATH (1940)
22. 2001: UNA ODISEA DEL ESPACIO – 2001: A SPACE ODYSSEY (1968)
23. EL HALCÓN MALTÉS – THE MALTESE FALCON (1941)
24. TORO SALVAJE – RAGING BULL (1980)
25. E.T. EL EXTRATERRESTRE – E.T. THE EXTRA-TERRESTRIAL (1982)
26. TELÉFONO ROJO: VOLAMOS HACIA MOSCÚ – DR. STRANGELOVE (1964)
27. BONNIE AND CLYDE (1967)
28. APOCALYPSE NOW (1979)
29. CABALLERO SIN ESPADA – MR. SMITH GOES TO WASHINGTON (1939)
30. EL TESORO DE SIERRA MADRE – THE TREASURE OF THE SIERRA MADRE (1948)
31. ANNIE HALL (1977)
32. EL PADRINO PARTE II – THE GODFATHER PART II (1974)
33. SOLO ANTE EL PELIGRO – HIGH NOON (1952)
34. MATAR A UN RUISEÑOR – TO KILL A MOCKINGBIRD (1962)
35. SUCEDIÓ UNA NOCHE – IT HAPPENED ONE NIGHT (1934)
36. COWBOY DE MEDIANOCHE – MIDNIGHT COWBOY (1969)
37. LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRAS VIDAS – THE BEST YEARS OF OUR LIVES (1946)
38. PERDICIÓN – DOUBLE INDEMNITY (1944)
39. DOCTOR ZHIVAGO (1965)
40. CON LA MUERTE EN LOS TALONES – NORTH BY NORTHWEST (1959)
41. WEST SIDE STORY (1961)
42. LA VENTANA INDISCRETA – REAR WINDOW (1954)
43. KING KONG (1933)
44. EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN – THE BIRTH OF A NATION (1915)
45. UN TRANVÍA LLAMADO DESEO – A STREETCAR NAMED DESIRE (1951)
46. LA NARANJA MECÁNICA – A CLOCKWORK ORANGE (1971)
47. TAXI DRIVER (1976)
48. TIBURÓN – JAWS (1975)
49. BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANITOS – SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS (1937)
50. DOS HOMBRES Y UN DESTINO – BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID (1969)
51. HISTORIAS DE PHILADELPHIA – THE PHILADELPHIA STORY (1940)
52. DE AQUÍ A LA ETERNIDAD – FROM HERE TO ETERNITY (1953)
53. AMADEUS (1984)
54. SIN NOVEDAD EN EL FRENTE – ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (1930)
55. SONRISAS Y LÁGRIMAS – THE SOUND OF MUSIC (1965)
56. M*A*S*H (1970)
57. EL TERCER HOMBRE – THE THIRD MAN (1949)
58. FANTASIA (1940)
59. REBELDE SIN CAUSA – REBEL WITHOUT A CAUSE (1955)
60. EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA – RAIDERS OF THE LOST ARK (1981)
61. VÉRTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS) – VERTIGO (1958)
62. TOOTSIE (1982)
63. LA DILIGENCIA – STAGECOACH (1939)
64. ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE – CLOSE ENCOUNTERS OF THE THIRD KIND (1977)
65. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS – THE SILENCE OF THE LAMBS (1991)
66. NETWORK (UN MUNDO IMPLACABLE) – NETWORK (1976)
67. EL MENSAJERO DEL MIEDO – THE MANCHURIAN CANDIDATE (1962)
68. UN AMERICANO EN PARIS – AN AMERICAN IN PARIS (1951)
69. RAÍCES PROFUNDAS – SHANE (1953)
70. CONTRA EL IMPERIO DE LA DROGA – THE FRENCH CONNECTION (1971)
71. FORREST GUMP (1994)
72. BEN-HUR (1959)
73. CUMBRES BORRASCOSAS – WUTHERING HEIGHTS (1939)
74. LA QUIMERA DEL ORO – THE GOLD RUSH (1925)
75. BAILANDO CON LOBOS – DANCES WITH WOLVES (1990)
76. LUCES DE CIUDAD – CITY LIGHTS (1931)
77. AMERICAN GRAFFITI (1973)
78. ROCKY (1976)
79. EL CAZADOR – THE DEER HUNTER (1978)
80. GRUPO SALVAJE – THE WILD BUNCH (1969)
81. TIEMPOS MODERNOS – MODERN TIMES (1936)
82. GIGANTE – GIANT (1956)
83. PLATOON (1986)
84. FARGO (1996)
85. SOPA DE GANSO – DUCK SOUP (1933)
86. MOTÍN A BORDO – MUTINY ON THE BOUNTY (1935)
87. FRANKENSTEIN (1931)
88. BUSCANDO MI DESTINO – EASY RIDER (1969)
89. PATTON (1970)
90. EL CANTOR DE JAZZ – THE JAZZ SINGER (1927)
91. MY FAIR LADY (1964)
92. UN LUGAR EN EL SOL – A PLACE IN THE SUN (1951)
93. EL APARTAMENTO – THE APARTMENT (1960)
94. UNO DE LOS NUESTROS – GOODFELLAS (1990)
95. PULP FICTION (1994)
96. CENTAUROS DEL DESIERTO – THE SEARCHERS (1956)
97. LA FIERA DE MI NIÑA – BRINGING UP BABY (1938)
98. SIN PERDÓN – UNFORGIVEN (1992)
99. ADIVINA QUIEN VIENE ESTA NOCHE – GUESS WHO’S COMING TO DINNER (1967)
100. YANQUI DANDY – YANKEE DOODLE DANDY (1942)

Las primeras letras de Dylan contenían temas sociales, filosóficos e influencia literaria, desafiando la música pop convencional existente y apelando generalmente a la contracultura de aquel tiempo. Mientras expandía y personalizaba estilos musicales, mostraba una firme devoción por muchas tradiciones de la música americana, de folk y country/blues a gospel, rock and roll y rockabilly, a música folk inglesa, escosesa e irlandesa, inclusive jazz y swing.

En los presentes años, Dylan ha sido reconocido y honrado por sus composiciones, interpretaciones, y grabaciones. Sus discos le han valido sendos Grammys, Globos de Oro, y premios de la Academia, y su obra ha sido incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el Salón de la Fama de Compositores de Nashville y el Salón de la Fama de los Compositores. En 1999, entró en la lista de Las 100 personas más influyentes del siglo XX de la revista TIME, y en 2004 alcanzó el segundo puesto en lista de “The Greatest Artists of All Time” de la revista Rolling Stone, secundando a The Beatles. En enero de 1990, fue hecho Caballero de la Orden de las Artes y Letras por el Ministro de Cultura de Francia Jack Lang; en el año 2000, ganó el Premio de Música Polar de la Real Academia Sueca de Música y en 2008, recibió un reconocimiento honorario del Premio Pulitzer; también ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura. El 13 de junio de 2007 le fue concedido el premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Informaación sacada de wikipedia y el video de youtube. Hecho por Johannes Goldner.

LO MEJOR DE LA PELICULA
- Como en cualquier película de Billy Wilder, uno de los puntos fuertes de la película es la gran calidad del guión. En esta película doblemente meritorio, pues mezcla comedia con drama, sin caer ni en la risa ni en la lagrima fácil.
- El excelente reparto: Lemmon logra dar a su personaje un gran matiz de interpretaciones, a ratos patético, ambicioso, tierno, simpático, cobarde,… ¿quién es realmente Baxter?, MacLaine esta estupenda en su papel de ascensorista condenada a enamorarse de hombres de los que no debe, y los personajes secundarios no son meras sombras decorativas, pues tienen un papel muy importante para el avance de la historia, como el personaje del Dr. Dreyfuss, Sheldrake, la señorita Olsen, sus superiores,…
- Lo más impresionante de la película es la gran variedad de emociones que logra transmitir, te ríes pero no es una comedia, es triste pero no es un drama, hay historia de amor pero es mucho más que una película romántica, critica el moralismo norteamericano pero no es una película intelectual, es comercial pero tiene una gran personalidad. Parece muy sencilla, pero en realidad es muy compleja.

Hecho por Samuel Obeso

El maquinista de la general o La General (título original en inglés: The General) es una de las películas más famosas en la historia del cine mudo. Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía.

Argumento

Advertencia: esta sección contiene detalles de la trama y el argumento.

Johnnie, un maquinista de ferrocarril enamorado de Annabelle, debe salvarla de los malos (del ejército yanqui), que la tienen secuestrada en The General, la máquina de tren favorita de Johnnie.

La película está basada en un hecho real sucedido durante la Guerra Civil. Se trata de una adaptación del libro de William Pittenger: Daring and Suffering: A History of the Great Railway Adventure (Audacia y sufrimiento: Una historia de la gran aventura ferroviaria), el cual fue publicado en 1863.

La película desarrolla la historia de Johnnie Gray (Buster Keaton), un maquinista de la Western & Atlantic [1] que tiene dos pasiones en su vida, su locomotora “La General” y su novia Annabelle Lee (Marion Mack).

Cuando estalla la guerra civil, Annabelle pide a Johnnie que se aliste en el ejército sudista para luchar contra la Unión. Desgraciadamente, en el momento en que va a inscribirse no es admitido pues lo consideran más útil en su profesión de maquinista que en su posible aportación como soldado. Annabelle Lee cree que fue un acto de cobardía y decide no hablarle más a Johnnie.

Un año después, Annabelle tiene que viajar porque su padre está herido, y lo hace en la locomotora de Johnnie, al que aún no habla. A mitad del recorrido un grupo de nordistas, intentando enlazarse con el ejército de la Unión en Chattanooga, deciden poner en marcha un plan que incluye el robo de “La General”. Cuando llevan a cabo su huida descubren que Annabelle permanece en la locomotora y se la llevan como prisionera. Johnnie intentará recuperar el mismo su locomotora y al mismo tiempo a su amada, aunque desde el principio no lo sabe…

Género

La película pertenece indiscutiblemente al género de la comedia. La historia se desarrolla acompañada de situaciones cómicas y encontramos un final feliz. El héroe es por azar, Johnnie rescata a Annabelle del cuartel enemigo aunque en un principio no sabía que la tenían prisionera. Existe una constante permanencia del gag, sin embargo, lo cómico no es lo único en la película, pues se tocan aspectos dramáticos, debido a que se está tratando de narrar un episodio de una guerra.

Análisis

Montaje

Keaton en una escena de El maquinista de la General

A lo largo de la película se pueden encontrar distintos tipos de montaje pertenecientes a las diversas categorías.

Según el modelo de producción, podemos señalar que se hace uso del montaje interno, aunque éste se presenta de manera escasa. Ejemplo de este tipo de montaje se da en una escena en la que Johnnie está con Annabelle en el bosque huyendo de los enemigos. La oscuridad se ve interrumpida por un rayo que ilumina el resto del campo y aparece un oso, después vuelve a oscurecerse y el oso desaparece. Tal escena puede ser ubicada en la categoría de montaje interno por profundidad de campo. De manera más frecuente, el uso de montaje temporal y espacial se da tanto en su forma continua como discontinua.

El montaje temporal continuo aparece en sus dos modalidades: acción presente y acción en off. La acción presente se presenta en la película en algunas ocasiones. Una de ellas es cuando Annabelle se despide de su padre y su hermano al saber que van a enlistarse. La acción principal es Annabelle despidiéndose. La primera toma es ella despidiéndose de su hermano y su padre; en ésta los personajes aparecen de cuerpo completo. Inmediatamente después la toma es Annabelle viendo alejarse a sus familiares pero ahora aparece con un mayor acercamiento, el cual abarca de sus rodillas hacia arriba. La tercera toma es Annabelle aún en la puerta y muy triste; ahora el encuadre es de la cintura hacia arriba.

En cuanto a la acción en off se localizan ambas opciones: toma sostenida y toma de espera, dándose ésta con mayor frecuencia que la primera. Un ejemplo de la toma sostenida es en la escena en la que la locomotora que maneja Johnnie no avanza. En una toma el maquinista le echa tierra a las ruedas de la locomotora y ésta comienza a avanzar, pero él no se da cuenta, luego voltea y corre hacia donde avanzó la locomotora. En este momento se queda el cuadro vacío teniendo como fondo las vías. La siguiente toma es Johnnie corriendo detrás de la locomotora hasta que la alcanza.

En cuanto a la toma de espera mencionaré dos ejemplos muy claros. En una toma aparecen Johnnie caminando por una calle, detrás de él van dos niños y Annabelle. La siguiente es una toma abierta de la fachada de una casa. Luego se ve a Johnnie llegar con los otros tres personajes a dicha casa. Otro ejemplo es cuando Johnnie va caminando triste por las vías por no poder alcanzar a su locomotora, pues su carrito se ha caído al río y él camina solo por la vía. En una toma está Johnnie que avienta un trozo de madera hacia un lado, voltea ve algo y corre. La siguiente toma es un señor que deja estacionada su bicicleta afuera de su casa y se da la vuelta, luego aparece Johnnie corriendo y de un salto sube a la bicicleta y sale del cuadro con ella.

Respecto al montaje temporal de manera alternada lo encontramos en la modalidad de acciones paralelas. Ejemplo de ello es una escena en la que Johnnie y Annabelle se han bajado de La General porque les falta leña. En una toma Annabelle comienza a amarrar un lazo a dos árboles. En la siguiente está Johnnie terminando de subir leña, ve que Annabelle no está y va a buscarla. En la siguiente toma Annabelle ha terminado de amarrar los árboles y se los muestra a Johnnie. El montaje discontinuo se presenta con elipsis evidentes y ocultas. Un ejemplo de elipsis ocultas se da cuando Annabelle va en reversa con la locomotora sin darse cuenta de que Johnnie ya la había alcanzado. En una toma se ve como Johnnie ve que la locomotora va en reversa y comienza a trepar una pendiente para alcanzarla. La siguiente es una toma del tren con los soldados enemigos y la siguiente toma es La General deteniéndose y Johnnie terminando de subir la pendiente y encontrándose con su locomotora.

Keaton y su amada locomotora en El maquinista de la General

El montaje discontinuo a través de elipsis evidentes se presenta en sus dos categorías. De transición suavizada puede ubicarse una de las primeras escenas, en la cual se hace uso de un fundido a negros como signo de puntuación. En una toma está Johnnie tomando sus saco y su sombrero de la cabina de la locomotora y va a bajarse, hay fundido a negros y luego aparece Annabelle conversando con alguien, la siguiente escena es Johnnie ya en camino hacia la casa de Annabelle.

Otro ejemplo de transición suavizada a partir de las técnicas del montaje continuo es una que se realiza con acciones paralelas. La escena consiste en que Johnnie va a sacar a Annabelle de un vagón estando la locomotora en marcha. En una toma Johnnie empieza a golpear el vagón con un hacha, en la siguiente toma se muestra la cabina del tren enemigo con varios soldados. En la toma siguiente Johnnie ha terminado de hacer un agujero de buen tamaño.

La transición evidenciada no se utiliza con mucha frecuencia. Un ejemplo es cuando Johnnie está escapando con Annabelle en La General y tira el poste del telégrafo. En una toma está Johnnie rompiendo un lazo que ató a la orilla del vagón, lo termina de cortar y da la media vuelta para volver a la cabina, en la siguiente toma aparece él ya sentado y asomándose por la ventana y conversando con Annabelle. Los otros ejemplos que pertenecen a esta categoría se hacen evidentes debido a los intertítulos. Ejemplo de ello es cuando Johnnie y Annabelle deciden pasar la noche en el bosque, luego aparece un intertítulo que hace patente el paso del tiempo y luego aparece una toma en la que los dos se encuentran en la misma posición pero ahora es de día.

Al igual que el montaje temporal, el montaje espacial se presenta de diversas maneras. El montaje espacial continuo se maneja mucho por el paso de un escenario al inmediatamente contiguo. Lo anterior puede ejemplificarse con varias escenas, como en la que Johnnie llega a casa de Annabelle. En una toma están los dos fuera de la casa acompañados de dos niños y ella lo invita a pasar. La siguiente toma consiste en que los cuatro entran a la sala. Otro ejemplo es cuando encierran a Annabelle en una habitación. Una toma es cuando está en el comedor con los oficiales del norte y en otra la meten a la recámara y ella está asustada.

Un claro ejemplo del uso de elipsis con continuidad se da en la escena en la que el general Tatcher y el capitán Anderson planean el robo del tren. Primero presentan una toma abierta del campamento y la siguiente toma es del interior de una tienda de campaña. Así mismo también se utilizan las elipsis con discontinuidad y relación. Ejemplo de ello es cuando Johnnie y Annabelle despiertan en medio del bosque y la siguiente toma son varios soldados cargando trenes en una estación, se da la relación porque de antemano se sabe que los protagonistas están en territorio enemigo.

El montaje según el contenido se da de manera narrativa, pues obedece al desarrollo del relato. A lo largo de toda la película se busca llevar una coherencia de la historia, tanto espacial como temporal, pero siempre de acuerdo con lo que se quiere contar. Ejemplo de ello es todo el montaje que se lleva a cabo en las persecuciones pues las tomas van del tren enemigo al tren de Johnnie para mostrar lo que hacen para librar la persecución respectivamente. Todo esto lleva una coherencia minuciosamente cuidada. Ejemplo de lo anterior se da al analizar las relaciones entre planos. Encontramos las causales en varias ocasiones. En una escena se toma el cañón a punto de disparar y en la siguiente se presenta el estallido de la parte trasera de uno de los vagones del tren.

Iluminación

Pese a que se trata de una película en blanco y negro es posible apreciar la iluminación en la que se apoyan para desarrollar el lenguaje técnico. Como la mayor parte de la película se desarrolla de día, la iluminación es constante y natural. En el momento en que se requiere el efecto de que se nubla y empieza a llover entonces la iluminación del día cambia, se empieza a oscurecer la escena y la lluvia cae estrepitosamente. Otro momento en que cambia la iluminación natural es cuando durante la lluvia nocturna caen truenos y se iluminan zonas del campo que no son perceptibles en la total oscuridad, como cuando aparece el oso enfrente de Johnnie y Annabelle. Los momentos de mayor luz se daban cuando se hacían acercamientos de cámaras a los rostros de los protagonistas o a detalles de objetos. Un ejemplo es cuando Annabelle observa detenidamente el nudo de un leño y se enfoca al nudo, dándole mayor iluminación. También se procura que cuando se enfoca el rostro de Johnnie exista un poco más que la luz natural.

Música

Por tratarse de un filme silente, la música que se incluye posteriormente en la película es lo único que se tiene en cuanto a sonidos o efectos. Se trata de un sonido no diegético pues proviene de una fuente totalmente externa de la película. No obstante, la música de piano cumplió dos funciones: la de ambientar las situaciones y la de servir como efectos de sonido, de acuerdo a lo que se veía en la pantalla. Esto es notable con los acentos en los tonos de la música para dar un sonido especial a las caídas, disparos o golpes. Por un lado, la música ambienta el espacio y prepara al público para una película cómica, sin embargo, curiosamente, los momentos más realzados por el aspecto musical son los de peligro o los que traen consigo una carga sentimental. Los momentos cómicos, más que ser ambientados son acompañados y apoyados.

Ambientación

La ambientación de la película se da gracias a la iluminación, la música y las expresiones de los personajes. Generalmente la ambientación se da de mayor manera en situaciones dramáticas o de peligro, más que en las escenas cómicas, pues éstas se dan de manera instantánea y por su carácter de espontaneidad no necesitan ser ambientadas. Quizás los momentos en que más se siente una ambientación especial sean los de peligro, pues la música se hace más fuerte y rápida, lo cual muestra una concordancia con las acciones que se ven en pantalla y crea en el espectador una sensación similar a la agitación del pulso.

Fotografía

La fotografía de la película tiene un carácter muy estético, pues en ella pueden apreciarse elementos clave como lo es la búsqueda del equilibrio. Ejemplo de ello es la disposición de los objetos para lograr una armonía visual, en lo cual interviene mucho la perspectiva y las direcciones. En especial, las panorámicas son ricas en todo lo anterior, pues es posible observar diversos aspectos de la imagen con mayor claridad. Ejemplo de ello es una toma en la que La General, manejada por sus raptores, atraviesa una estación sureña. Se observa un equilibrio de peso en los árboles, al igual que con la dirección del tren establecido previamente por las vías, además de la disposición de las casas, la cual equilibra la imagen. Cabe señalar que otro aspecto importante de la fotografía es que las imágenes claras y bien apoyadas por los escenarios, permiten al público tener una mayor comprensión de lo que se le quiere transmitir.

Vestuario

Aquí es muy importante el vestuario, pues para tener concordancia con la historia es preciso que éste vaya acorde con la vestimenta de la época en que se dio la Guerra Civil. El vestuario fue escogido cuidadosamente, desde los uniformes de los soldados hasta los vestidos de las mujeres que aparecieron como extras al principio de la película. Dentro de este punto puede mencionarse la importancia de la adaptación de la utilería a la época. Se consiguió adaptar las locomotoras antiguas, adecuar los escenarios y construir puentes y largos tramos de vías. Aunque no se pudo filmar en los escenarios originales se tuvo el cuidado necesario para mantener la fidelidad en los otros aspectos de escenografía y utilería. Lo que más se buscaba era que todo pareciera lo más real posible y que el público lo notara de la misma manera.

Conclusiones

El maquinista de la General ha sido considerada como la obra maestra de Buster Keaton, en la cual no sólo participa como actor, sino como director y escritor. En la película podemos apreciar las técnicas de las que hacía uso para desarrollar un lenguaje cinematográfico adecuado a lo que el quería transmitir. Varios autores consideran que Keaton supera a Chaplin debido a que el primero demostró conocer perfectamente el medio en el que se desenvolvía y así lo demuestran aquellas escenas en las que se observa a Johnnie corriendo por la parte superior de la máquina o cuando va en la bicicleta. El principio esencial en el que se basa el montaje y el contenido de las escenas en general es el de veracidad y fidelidad. Keaton procura que lo que graba se vea lo más real y creíble posible, no importándole gastar hasta un millón setecientos mil dólares para dejar caer una locomotora al río. Igualmente, Buster no acepta el uso de dobles ni en las escenas más peligrosas, como la de Johnnie sentado en la biela de la locomotora que de pronto empieza a avanzar.

El montaje busca explicar las causas de todo lo que sucede en la historia, no oculta nada, al menos no al público. Se muestran mayormente las acciones paralelas para mostrar lo que hace un bando y lo que hace el otro.

Keaton se basa en la inexpresividad de su rostro para emitir gran cantidad de emociones a través de los distintos encuadres, los juegos de luz y las expresiones de los demás personajes. Su personalidad está completamente definida, así como el uso que hace del lenguaje cinematográfico para alcanzar su más grande objetivo: hacer reír a la gente.

Es un grupo español de ska (principalmente) formado en Vallecas (barrio de Madrid) en 1994. Sus canciones se caracterizan por su inconformismo, la crítica al capitalismo y al racismo, la defensa de la igualdad y el anarquismo.^{[1] [2]} Su canción Cannabis, reivindicando y apoyando la legalización de la marihuana, fue su trampolín para conseguir cierta popularidad en España, parte de México y Sudamérica. Además cuenta con seguidores en Colombia, Argentina, Venezuela, Reino Unido, Bélgica, Italia, Suiza, Francia, Chile, Uruguay, Alemania y Perú. En los últimos años actuó en diversos festivales multiculturales, alternativos y anti-globalización de Europa.

Historia

La canción “Como un rayo” de apoyo al Rayo Vallecano, el equipo de fútbol, símbolo del madrileño barrio de Vallecas comenzó a despuntar. Esta canción para muchos acaba siendo un himno y se empieza a escuchar mucho en muchos bares del barrio de Vallecas. Poco a poco la gente se va enterando que hay un grupo llamado Ska-P con unas letras que hablan en contra de todo aquello que les parece mal.

1995-1996 : El comienzo

Su guitarra solista Toni Escobar deja el grupo. Tras probar a varios guitarristas, deciden quedarse con uno de los que aparece por allí llamado Joxemi originario de Larraga (Navarra), no era técnica todo lo que se buscaba en un grupo como Ska-P sino más bien el sentir esa historia como suya, y acabar siendo uno más. También entra Pipi, que hasta entonces solía salir disfrazado en algunas canciones y ayudaba al grupo a cargar y descargar. Y llega el concierto que junto con la salida de su nuevo álbum El vals del obrero, les situaría el 9º Festival Vallekas Rock. A partir de entonces se empieza a hablar de ellos como una banda con un directo arrollador, unas canciones pegadizas, y un tipo que se disfraza y no deja a nadie indiferente.

1997-1999: “Eurosis” y la primera gira internacional

Llega la grabación de Eurosis, su 3º CD, y de nuevo giras por toda España, y continúan afianzándose mas en Francia. Hacen su primera gira por Argentina, y de allí se van a México. A México volverían en apenas un año. Pako, batería y miembro fundador de Ska-P deja la banda y entra Luismi como nuevo batería, y al poco tiempo vuelven a tocar en directo. Acuden a Italia y tocan en un festival muy famoso allí.

2000-2002: El mejor momento

Sacan un nuevo CD llamado Planeta Eskoria, donde endurecen su sonido ,y se hacen un poco más serios, dentro de lo que cabe. Las giras a estas alturas ya se reparten por Francia, Italia, Suiza y España .Ya son una banda considerada internacional. En el 2002 graban su 5º álbum Que corra la voz, quizá el disco más completo de la banda. En éste disco hay de todo: mucho movimiento, ironía y unas letras bien pensadas. La lista de países que van conociendo a Ska-P va aumentando, tanto que hacen una gira Europea. También vuelven a América Latina, Argentina, Chile y México.

2003-2004: Gira “Incontrolable”

En el 2004 sale su CD Incontrolable, que además de contar con 16 canciones grabadas en directo por toda Europa, le acompaña un DVD con 13 temas grabados en Nyon, Suiza y París. Además se incorporan todos los videoclips de la banda e imágenes del grupo en la última gira.

2005-2006: El “parón indefinido”

Tras más de diez años en activo, en febrero de 2005 anunciaron que iban a hacer un parón indefinido. “Queda abierta la posibilidad de un futuro retorno”, como dijeron los miembros del grupo. Anunciaron además una gira de despedida.

Su último concierto en España fue el 24 de septiembre de 2005 en la Cubierta de Leganés, y el último recital definitivo fue en Argentina a mediados de octubre del 2005.Los integrantes del grupo decidieron dar por finalizada su gira de despedida en esta ciudad debido al trato recibido en ocasiones anteriores. Todo lo recaudado en dicho festival fue donado a diferentes organizaciones benéficas argentinas y comedores comunitarios. En 2006, seis meses después del parón, el cantante Pulpul hizo una entrada en la página oficial anunciando que él seguía componiendo y esperaba que esas letras fueran en un futuro las de un nuevo disco de Ska-P.

Algunos miembros del grupo han montado un grupo alternativo parecido a Ska-P, pero con menos guitarrero. Se llama The Locos. Otro integrante de Ska-P formó un grupo con un tono más punk, llamado No-Relax, 2006.

2007-2008: El Regreso [editar]

El 12 de octubre de 2007, y después de dos años del “Parón Indefinido”, llega un aviso a la página oficial de Ska-P mandado por Pulpul en el que dice de su posible reunión en el 2008.^[3] En el mismo comunicado, escriben los distintos integrantes del grupo opinando positivamente sobre el reencuentro, salvo Pipi; éste, que inicialmente anunció que seguiría con su nuevo grupo, The Locos, y no volvería a Ska-P. Entre los detalles del comunicado, se dice que ensayarán con el antiguo repertorio y si todo va bien posiblemente sacarán un nuevo álbum a finales del 2008 (cosa que ciertas fuentes aseguran para octubre). “Alacrán producciones”, a fines del 2007 abrió la contratación de Ska-P para una posible gira en 2008.

El reencuentro se confirmó a principios de abril de 2008, según un nuevo comunicado titulado “Todo va bien”, quien finalmente contó con la presencia de Pipi que fue a la reunión del grupo, aunque aún no ha confirmado si se reincorporará definitivamente o no.^[4] A continuación, el día 24 de abril en un comunicado en su web, se confirma el regreso de Ska-P (con todos sus integrantes), confirmando un nuevo disco en Octubre, y una pequeña gira en Noviembre.^[5] Pipi, que todavía no había confirmado si volvería con el grupo o no, finalmente confirmó volverá a ser parte de Ska-P, aunque también seguirá con The Locos.

Próximos conciertos de SKA-P en el 2008

Nov 08

• 20 México DF (MEXICO) Explanada del Foro Sol
• 26 Santiago de Chile (CHILE) Arena Santiago
• 30 Buenos Aires (ARGENTINA) Club Ciudad de Buenos Aires

Dic 08

• 13 Milán (ITALIA) Palasharp
• 19 Paris (FRANCIA) Le Zenith
• 27 Madrid (ESPAÑA) La Cubierta de Leganés

Formación

• Pulpul (Roberto Gañan Ojea), Voz principal, guitarra secundaria.
• Pipi (Ricardo Delgado), Voz Secundaria y showman.
• Joxemi (Jose Miguel Redin ), Guitarra Principal.
• Julio (Julio Cesar Sanchez), Bajo.
• Kogote (Alberto Javier Amado), Teclado, Voz Secundaria.
• Luis Mi, Batería y percusión.
• Txikitin, trompeta.
• Gary, trombón.

Discografía

• Ska-P (1995)
• El vals del obrero (1996)
• Eurosis (1998)
• Planeta Eskoria (2000)
• Que corra la voz (2002)
• Incontrolable (CD+DVD) (2004)

 Hecho por Samuel y sacado de la wikipedia

La unica manera de no estar siendo rechazado por mas bandas donde harris no encajaba era la de formar su propia banda, y asi es cuando en 1976 inspirado por cierta pelicula Harris tiene la grandiosa idea de crear “IRON MAIDEN” que.. a la postre so convertiria en la mas improtante banda de Heavy Metal de Todos los tiempos.Asi es Harris tomo el nombre de la pelicula “The Man On The Iron Mask”(El hombre de la mascara de Hierro) en su versión original. En esta pelicula se muestra un instrumento de tortura llamado precisamente Iron Maiden (o doncella de hierro en español) donde las victimas eran colocadas dentro de un sarcofago que contenia picos en el interor del mismo y en la parte interna de la puerta (imaginense cuanto dolor y cuanta sangre escurria de la victima, Ja, Ja, ja…).

Ahora, los primeros integrantes de la doncella fueron: Paul Day, Dave Sullivan, Terry Rance, Ron Mathews y Steve Harris, (Nada que ver con la actual doncella) con esta alinecion aseguraron la recidenca en el bar “The Cart and Horses” en Stratford en el East End de Londres. La primera alineacion sufrio grandes cambios, entre los primeros movimientos Paul Day fue reemplazado por Dennis Wilcock de Smiler, quien recomendó a un joven y talentoso guitarrista de nombre: Dave Murray; la entrada de Dave provocó la salida de Terry Rance y Paul Sullivan guitarristas de la banda en aquel entonces, y Bob Sawyer también nombrado Bob D’Angelo junto con Ron Rebel fueron llamados por la banda para ser el segundo guitarrista y el baterista respectivamente, con esta alineación Maiden comenzó a tener shows por todo el este de Londres, pasaron seis meses y Maiden sufrió nuevos cambios, Bob Sawyer abandonaba la banda por causas de Dave, y después en una presentación en “The Bridgehouse” Dennis Wilcock despidió a Dave. Todo este lío de guitarras era con la idea de tener dos guitarras gemelas o “Twin Guitars”, la banda abandono por un tiempo esta idea y Terry Wapram fue llamado como guitarra solista y Tony Moore como tecladista. Ron Rebel abandonó la banda y fue reemplazado por Barry Purkis o “Thunderstick”. La banda con esta formación toco nuevamente en The Bridgehouse y comprobó que lo de los teclados no iba con su estilo, lógicamente Tony Moore (tecladista) abandonó la banda quien se “jaló” a Terry Wapram quien dijo que el “¡No podia tocar sin los teclados!”. Así que Harris para conseguir a un guitarrista, asistió a una tocada de Urchin para persuadir a Dave Murray de que regresara con Maiden. Después Dennis abandonó la banda junto con Thunderstick, y Doug Sampsom ex-baterista de Smiler fue llamado por Harris y un compañero de Harris recomendo a Paul Di’Anno, quien pasó la prueba.Caramba! despues de todo este relajo la alineación segun entiendo quedo de la siguiente forma: Paul Di’Anno como Vocalista, Dave Murray como guitarrista, Doug Sampson como baterista y Steve Harris como bajista.

En 1978, la situación mejoró, y Maiden tras 48 horas de intensa labor se preparaba para lanzar su primer demo, “Iron Maiden”, “Strange World” y “Prowler” fueron grabados en los Spaceward Studios, cerca de Cambrigde el costo de la grabación era muy alto y la banda no pudo comprar la cinta original. Cuando regresaron a pagar las cintas ya habían sido borradas y solo quedaron algunas cintas de la sesión original sin mezclarse ni editarse así que Dave envío su copia a Neal Key, un disc-jockey de renombre como cultor y difusor del metal británico, el cual impresionado por el sonido atronador de la banda convenció a los dueños del Band Wagon Soundhouse para presentarlos en el local. La enorme repercusión obtenida por la banda en su debut le dio la posibilidad de obtener un contrato de actuación. En retribución, Iron Maiden bautizó el demo con el nombre de “The Soundhouse Tapes”, tras lo cual fue prensado en forma independiente y distribuido en las disquerías de Londres.La cinta llamó la atención de Roderick Charles Smallwood (Ex-miembro de MAM Agency) quien obtuvo la cinta por azares del destino: un compañero de rugby le pasó la cinta y después de checarla y escucharla, se ofreció a la banda como MANAGER.

Rod les consiguió tocadas a lo largo del país con el fin de obtener popularidad en territorio ingles antes de llegar a Londres, donde les consiguió varias tocadas para hacer que las compañías disqueras pusieran su atención en Maiden. El 13 de octubre, tuvieron una tocada en “THE MARQUEE”. John Darnley vino de EMI Records para ver a Maiden. Rod le hizo una apuesta al manager de “The Marquee”, en la cual el prometía vender todas las entradas (700 para ser exacto) para las 7p.m. Rod ganó la apuesta y al mes siguiente EMI firmó un contrato con Maiden. Maiden fué presentado en el periódico musical “SOUNDS

En noviembre de 1979 la banda se presentó en los EMI’s Manchester Square Studios para grabar “Sanctuary” y “Wrathchild” para la recopilación de metal titulada “Methal For Muthas” que saldria a la venta hasta febrero de 1980. También grabaron cuatro canciones para “The Friday Rock Show” de “Radio One”. El guitarrista Tony Parsons llegó para ser la pareja de Murray en las liras y volver a ser un quinteto.

Para fines de 1979 había nuevos cambios en la alineación: Doug Sampson abandonaba la banda por cuestiones de salud y Parsons tuvo que ser reemplazado por su poca participación en el escenario, así que el baterista Clive Burr y el guitarrista Dennis Straton se integraron a la banda. El 8 febrero de 1980 la banda lanzo su primer sencillo: Runing Free, el cual rompió por completo la expectativas que tenia la compañía disquera quedando en el lugar no. 44 del chart britanico.

El 14 de abril de 1980 salió el primer álbum de la banda titulado “IRON MAIDEN”. La banda comenzó después su gira por las islas británicas tocando en cuarenta fechas en menos de dos meses. También se presentaron en “The Marquee”, incluyendo una racha de cuatro noches consecutivas de lleno total.

Un año después, Dennis Stratton abandona el grupo y aparece uno de los mejores guitarristas de Maiden: Adrian Smith. Es ahí cuando aparece el segundo disco de Iron Maiden: “killers”, el cual era una digna secuela de su primer disco, es cuando Iron Maiden por fin sale a una gira mundial. En ese momento todo aprecia indicar que Iron Maiden tenia ya un camino fácil hasta la cima, pero fue entonces cuando el vocalista Paul Di’ Anno, al darse cuanta de que Maiden iba rumbo a la cima, comienza a tomar actitudes que lo harían salir de Iron Maiden, pues descuidaba mucho su voz y se metía en muchos problemas a los demás integrantes.

Todo parecía indicar que la salida de Paul Di’Anno iba a dejar a la banda sin fuerza, pero fue cuando de camino a la perdición aperece un hombre que mas que mantener a Iron Maiden donde había llegado, lo lanzo a la cima donde permaneció ahí por mucho tiempo: Bruce Dickinson de los ingleses “Samson” con

una voz diferente a la de Di’Anno alcanzó tonos que darían a Maiden la fuerza que la banda necesitaba, entonces la banda se prepara para lanzar su tercer álbum: “The Number Of The Beast”, este llegaría al número 1 de las listas de U.K.En contraste y debido al nombre y la portada del álbum, la gente comenzó a tomar a Maiden como una banda Satánica y para acabarla Clive Burr considerado entonces como uno de los tres mejores bateristas del mundo, dejaba el grupo por cuestiones personales. Fue entonces cuando Maiden localizo a un baterista con la talla de Clive Burr, Nicko Mc Brain.

Ya con esta alineación en 1983 Iron Maiden se prepara para lanzar su tercer álbum: “Piece Of Mind”, ya con un nuevo Eddie sellado del cráneo y encadenado a unas paredes, con una camisa de fuerza.

En 1984 Iron Maiden lanza otro que también es considerado uno de los mejores: “Powerslave” que llevaría a Iron Maiden a una de las giras mas largas que la banda ha hecho la “World Slavely Tour”, donde graba su primer disco en vivo: Live After Death.

Para 1986 otro nuevo álbum se preparaba, “Somewhere In Time” grabado en Nassau y Munich, salió a la venta en septiembre. Este estuvo como No. 3. en las listas inglesas y dio a la banda un disco de oro o platino en la mayoría de los territorios.

El nuevo álbum mostraba muchos cambios en el estilo de la banda con el uso de sintetizadores como fondo en varias canciones. A varios fans no les gusto este cambio, pero al final decidieron aceptar que el proyecto de Maiden funcionó. Con una de las mejores portadas que ha tenido un disco de Heavy Metal, en donde Eddie es ahora un cyborg que sostiene un arma en una ciudad muy futurista, y es en este disco donde Adrian Smith se destaca por la composición de varios temas como: Wasted Years, que es uno de los clásicos de Maiden, Sea Of Madness y Stranger In A Strange Land.

Para promover el álbum la banda hizo a una gira llamada “Somewhere On Tour”. La gira comenzó visitando la Cortina de Hierro, comenzando en Belgrado y terminando ocho meses después en Osaka,Japón. Los escenarios utilizados fueron realmente espectaculares, donde los miembros de la banda eran elevados por los aires mientras la cabeza y las garras inflables de Eddie aparecían. La banda fue filmada y entrevistada para un vídeo documental que salió en 1987 con el nombre de “Twelve Wasted Years”, una crónica en vídeo de como Maiden llegó a la fama, llena de material nunca antes visto y entrevistas con personas involucradas en el éxito de Iron Maiden. Con una gira totalmente completada había llegado el momento de preparar el nuevo álbum.

2 años después sacan un nuevo álbum: “Seventh Son Of A Seventh Son”, que es considerado por muchos el mejor donde Maiden continua usando los teclados. Este disco fue el primer disco conceptual de Iron Maiden, pues narra a través de las canciones, la leyenda de el séptimo hijo del séptimo hijo, el cual combatirá al mal.

Nuevamente cuando Maiden se encontraba en la cúspide, el guitarrista Adrian Smith decide que ya no le satisface tocar con Maiden, y simplemente deja de tocar en la banda. Bruce Dickinson propone un guitarrista que le ayudo como solista, y que además trabajo con Paul Di’anno, Janick Gers, que es tan buen guitarrista como Adrian, además también componía, pero… algo le faltaba, tal vez nadie sabe que… pero algo no lo hacia ser tan bueno como Adrian Smith. La salida de este causo mas estragos de lo que se esperaba, pues entonces es cuando Maiden, además de abandonar los teclados, cae en un bache de su carrera. Esta vez ni

Dickinson pudo rescatarlos, sus voz decayó mucho, parecía como si con Adrian se hubiera ido su voz, aunque todavía sonaba bien, Pero aun así, Maiden no pudo ocultar los problemas que había dentro, los cuales se ven reflejados en su disco “No prayer for the dying” considerado por algunos como el peor disco de Maiden.Dos años después, Iron Maiden lanza otro disco que llegaría al numero uno otra vez, “Fear Of The Dark”, Dickinson había grabado su ultimo disco como vocalista de Iron Maiden debido a que su voz ya no sonaba tan bien y estaba casi desecha. Después de eso, mientras se buscaba un nuevo vocalista , salieron tres discos en vivo (A real live one, A real dead one y Live at Donington), con lo mejor de su carrera. Nadie podía imaginarse Iron Maiden sin Bruce Dickinson. A finales de 1993, Iron Maiden anunciaba el nombre de su nuevo vocalista, el elegido era Blaze Bayley el vocalista de una banda llamada Wolfsbane, además Maiden anunciaba la grabación de un nuevo disco.

Este disco fue atrasado debido a un accidente que Bayley tuvo en motocicleta. Así que fue hasta 1995 cuando el décimo disco de Iron Maiden apareció: “The X factor”, el cual demostraba que Iron Maiden si podía existir sin Dickinson.

Bayley demostró que no venia a hacer sombra de nadie y aunque su voz no se adaptaba muy bien a muchas canciones de Maiden, fue un digno sustituto de Dickinson aunque solo por muy poco tiempo.

La Salida de Blaze Bayley se produjo coincidiendo con la gira Sudamérica que Iron Maiden Realizo a finales de 1998, en donde se cancelaron algunos conciertos en circunstancias en la cuales las actuaciones de Blaze Bayley resultaron lamentables.

Fuente: http://usuarios.lycos.es/machaorl/Biografias/iron_maiden.htm

Hecho por Jesús Narayana Menéndez

Angus tenía entonces 15 años y su hermana sugirió que usara su uniforme escolar cuando se subiera al escenario, lo que terminó convirtiéndose en una marca identificativa del grupo. Viviendo todavía en Sidney y con Dave Evans como cantante, grabaron un single, Can I sit next to you con George Young (Glasgow, Escocia, 6 de noviembre de 1948 ) -el hermano mayor de Malcolm y Angus- en la producción.

En 1974 se trasladaron a Melbourne, donde se unieron el batería Phil Rudd (Melbourne, 19 de mayo de 1954) y el bajista Mark Evans (Melbourne, 2 de marzo de 1956). El chófer de la banda, Bon Scott (Forfar, Escocia, 9 de julio de 1943) se convirtió en el cantante líder cuando Dave Evans rechazó subirse al escenario.

Anteriormente, Scott había sido batería de las bandas de pop australianas Fraternity y Valentines. Y lo más importante, ayudó a cimentar la imagen agresiva del grupo, ya que, entre otras cosas, no fue aceptado en la Armada Australiana por ser considerado un “inadaptado social”. Así AC/DC se convirtió en un grupo “inadaptado socialmente” y a lo largo de su carrera puso de manifiesto, además de su imagen violenta, un sentido del humor repleto de malicia. Hicieron una gira por el país y comenzaron a trabajar en su álbum debú.

En 1975 publicaron dos álbumes en Australia: High voltage y T.N.T.. En 1976, tras firmar con Atlantic Records, editaron High voltage en Gran Bretaña, pero se trataba de una edición diferente a la australiana, ya que recogía material de sus dos primeros lanzamientos. A finales de ese año publicaron Dirty deeds done dirt cheap, que fue apoyado con sus primeras giras europeas.

A comienzos de 1977, Evans se marchó del grupo y fue sustituido por Cliff Williams (Romford, Inglaterra, 14 de diciembre de 1949). Ese mismo año AC/DC sacó Let there be rock que se convirtió en su primer álbum en las listas norteamericanas, lo que le hizo ganar un montón de fans en ese país gracias a sus espectaculares conciertos en directo.

Powerage salió en la primavera de 1978 y también ese año se realizó el documental en directo If you want blood (You’ve got it), que mostraba el éxito internacional de la banda y sus enérgicas puestas en escena.

Fue en 1979 cuando llegó el histórico Highway to hell, que se convirtió en el primer álbum millonario en ventas del grupo. Alcanzó el Top 20 en EE UU y el Top 10 en Gran Bretaña. Fue también disco de oro en Canadá y en Francia. Pero, desgraciadamente, cuando el grupo había conseguido el estrellato, su líder, Bon Scott, murió en Londres, el 19 de febrero de 1980. Oficialmente, las causas de su fallecimiento se debieron a un exceso en la ingestión de alcohol.

En marzo, Scott fue reemplazado por Brian Johnson (Dunston, Inglaterra, 5 de octubre de 1947). Un mes después grababan Back in black, que llegó al nº 1 en Gran Bretaña y vendió más de 10 millones de copias sólo en Estados Unidos. En pocos años AC/DC se había convertido en la banda de rock más importante del mundo.

En 1981, tras asimilar el éxito sin la figura de Bon Scott y con el reclutamiento de Brian Johnson, la banda regresó con For those about to rock. que llegó a lo más alto de las listas norteamericanas. Como curiosidad, mencionar que en España el disco (vinilo) salió con los colores (dorado y negro) cambiados de sitio con respecto de su versión internacional. Mientras que en todo el mundo la portada era dorada con el cañón en negro, en nuestro país, el cañón salió en dorado y el fondo en negro. Se convirtió en toda una pieza de coleccionista en su época, de hecho lo sigue siendo.

En 1982 Phil Rudd fue sustituido a la batería por Simon Wright (Alden, Inglaterra, 19 de junio de 1963). Sin embargo, Rudd regresaría a la banda en 1994.

Después de publicar en 1983 Flick of the switch, entraron en un periodo de declive, y sus ventas bajaron considerablemente. En EE UU la montaron gorda: Religious Right les condenó públicamente e hizo un llamamiento para que se boicotearan sus álbumes.

En 1984 editaron el mini-álbum ’74 jailbreak que recogía temas que el grupo había grabado en Australia diez años atrás.

En 1985 actuaron en el festival Rock In Rio (Río de Janeiro, Brasil) junto a Ozzy Osbourne, Scorpions y Whitesnake. Ese mismo año editaron Fly on the wall.

En 1986 llegó Who made who, un álbum que compilaba viejos temas y tres canciones nuevas que habían formado parte de la banda sonora de la película de Stephen King Maximum overdrive.

A finales de 1987, tras un año y medio sin publicar nada nuevo, AC/DC completó un nuevo álbum producido por Harry Vanda y George Young: Blow up your video. Para promocionar ese trabajo se embarcaron en una gran gira en la que Malcolm fue sustituido por su primo Steve Young. Se extendieron entonces los rumores de que Malcolm estaba intentando superar su drogodependencia, pero sólo eran rumores, ya que en realidad estaba cuidando de su hijo enfermo.

En 1989 durante un periodo sabático, a Wright le propusieron intervenir en el álbum de Dio Lock up the wolves (1990) y abandonó el grupo para siempre. Fue sutituido por el veterano del rock Chris Slade (Pontypridd, Gales, 30 de octubre de 1946), ex Manfred Man, Tom Jones, The Firm y Gary Moore, entre otros.

En 1990 comezaron las sesiones de grabación de The razors edge en Vancouver (Canadá), con la producción de Bruce Fairbairn (Aerosmith, Bon Jovi, INXS, The Cranberries). El álbum llegó al nº 2 en EE UU y se convirtío en el disco que más alto llegó en las listas norteamericanas desde 1981. En el mes de noviembre de ese mismo año, durante un concierto del grupo, un joven de 21 años fue asesinado a las afueras del Brandan Byrne Arena en Nueva Jersey.

Dos meses después, en enero de 1991, los jóvenes Curtis Child, Jimmie Boyd y Elizabeth Glausi murieron aplastados por la multitud durante un concierto de la banda en el Salt Palace Arena. Se abrió una investigación para esclarecer los hechos y los componentes de AC/DC quedaron libres de culpa, aunque las negociaciones entre el grupo y los familiares de las víctimas continuaron durante algún tiempo. El incidente no afectó al tour de la banda que estuvo todo el año de gira, y ofreció más de 70 conciertos y ganó más de 17 millones de dólares.

En octubre de 1992 salió el álbum en directo Live, que además tuvo una edición especial para coleccionistas con un CD extra y más temas que en el original.

Hasta 1995 no publicaron un nuevo álbum de estudio, el que hacía el nº 16 en su carrera. Ballbreaker fue producido por Rick Rubin (The Cult, Red Hot Chili Peppers, Tom Petty & The Heartbreakers, Slayer) con la colaboración del ingeniero Mike Fraser (Aerosmith, The Knack, Metallica, Bryan Adams) y significó, además, el regreso del batería Phil Rudd. El álbum entró al nº 4 de las listas norteamericanas y vendió millones de copias, demostrando que después de más de 20 años, AC/DC mantenía su popularidad en todo el mundo.

En noviembre de 1997, salió una caja con cinco CDs, titulada Bonfire en homenaje al cantante fallecido Bon Scott. Ésta contenía cuatro discos: Live from the Atlantic Studios (inédito hasta el momento), Let there be rock – The movie – Live in Paris (también inédito), Volts y Back in black.

Hasta febrero de 2000 no se volvieron a tener noticias de la banda de los hermanos Young. Stiff upper lip fue el álbum publicado ese año. En la producción contaron con el apoyo de George Young, el hermano mayor de Angus y Malcolm, que ya coprodujo algunos de sus primeros álbumes como High voltage, Let there be rock y If you want blood (You’ve got it.

Debido a que los componentes del grupo no comparten el mismo país de residencia, el trabajo fue escrito y preproducido entre Holanda, Sidney y Londres y luego fue grabado en un estudio de Vancouver, propiedad de Bryan Adams. Grabaron 17 canciones de las que finalmente escogieron 12 para el álbum, entre ellas Stiff upper lip que titulaba el disco.

El 22 de marzo de 2000 Angus y Malcolm acudieron a Leganés (Madrid) a la inauguración de la Calle de AC/DC que el consistorio municipal de dicha población les dedicó.

El 1 de agosto de ese mismo año la banda comenzó la gira de presentación de Stiff upper lip en Gran Rapids (Michigan, EE UU). Un tour que llegó a Europa en octubre y terminó en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 14 de diciembre. Previamente, AC/DC había llenado hasta la bandera tres veces el Palacio de los Deportes de Madrid los días 10, 11 y 12 de ese mismo mes.

Con la llegada de 2001, los australianos volvieron a la carretera para patearse gran parte de su país y en marzo regresaron al EE UU.

En diciembre de 2002 AC/DC anunció que fichaba por Sony Music, para editar sus nuevos discos con Epic. Se rompía así matrimonio musical con Atlantic Records de algo más de 25 años.

FUENTE: www.los40.com/

              http://www.youtube.com

Autor:Jesús

En 1930 Ras Tafari Makkonen fue coronado emperador de Etiopía, pasando a llamarse Hailè Selassiè. Según una vieja profecía, este rey libertaríMa a la raza negra del dominio blanco. Muchos jamaicanos, creyentes en la profecía, lo eligieron como el representante de su nueva religión. Fue en este ambiente donde Robert conoció a Neville O’Riley Livingstone (Bunny) y a Peter McIntosh. Juntos comenzaron a tocar, influenciados por la música de Ray Charles, Fats Domino, Brook Benton o Curtis Mayfield. En 1963 forman un grupo, ‘Wailing Wailers’, lanzando un primer single que alcanzaría el primer puesto en las listas jamaicanas. Marley se convirtió en uno de los primeros en escribir canciones sobre los jóvenes delincuentes del ghetto de Kigston. En 1966, Bob Marley se casó con Rita Anderson, y se marchó a vivir con su madre unos meses. Esta estaba viviendo en Estados Unidos, con su nuevo esposo. A su vuelta a la isla, la creencia en la religión Rastafarí creció, reflejándose en sus canciones. Con sus amigos Bunny y Peter, crean un nuevo grupo, ‘The Wailers’.

Debido a la ‘espiritualidad’ que emanaba de sus canciones, tuvieron problemas para encontrar representantes, lo que les resta gran parte del éxito que esperaban. A principios de los setenta, se alían con Lee Perry, un productor que revoluciona su trabajo, dando como resultado algunas de sus mejores obras, como ‘Soul Rebel’, ‘Small Axe’, ’400 Years’, etc. En 1972, el grupo edita su primer álbum, ‘Catch a Fire’, que tuvo gran éxito, lo que llevó a la casa discográfica a realizar una gira por Inglaterra y Estados Unidos. En 1973 salió a la luz su nuevo disco, ‘Burnin’, con nuevas versiones de sus viejos temas. En 1975 Bunny y Peter dejan el grupo para dedicarse a su carrera en solitario. Les sustituyen en el grupo la mujer de Bob, Marcia Griffiths y Judy Mowatt.

El grupo pasó a denominarse ‘Bob Marley & The Wailers’. En 1976 se publicó ‘Rastaman Vibrations’, encaramándose a las listas de éxitos y siendo considerado como el más claro exponente de las creencias de Bob. El 5 de diciembre de 1976, Bob se disponía a dar un concierto en Jamaica, como reivindicación de la paz y los derechos de los ciudadanos de su patria. Pero unos desconocidos le atacaron antes del concierto, aunque sin herirlo. Tras este atentado, Bob Marley abandona jamaica y se trasladó a Florida, multiplicando sus giras por USA, Europa y Africa. Al año siguiente se editó el álbum ‘Exodus’, que se convirtió en un superventas en Inglaterra. En 1978, publicaron ‘Kaya’, un nuevo éxito con canciones de amor y de homenaje a la marihuana. Tras la publicación del disco ‘Babylon By Bus’, fruto de una gira por Europa y América, Bob visitó Africa, hecho que le inspiró un nuevo album, ‘Survival’, homenaje a la patria africana.

En 1980 publica ‘Uprising’, cuyo éxito fue arrollador, propiciando una nueva gira europea que batió todos los records de asistencia. Al finalizar la gira europea, Bob cayó gravemente enfermo de cáncer, causado por una herida que se había hecho unos años antes. El 11 de mayo de 1981 Bob Marley fallecía en un hospital de Miami a los 36 años. Su cuerpo fue trasladado a su ciudad natal, Nine Mile, donde descansa en un mausoleo. A su funeral acudieron el primer ministro y altas personalidades de su país.

 Para esta información se ha utilizado Wikipedia y Youtube.

Realizado por Johannes Göldner

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